Le Rhin Caroline Bachmann
13.09.24 – 26.10.24 Solo exhibition (Art Week Berlin) Meyer Riegger, Berlin
Art Week Berlin | Opening: Thursday, 12 September, 6–9 pm Gallery Night: Friday, 13 September, 6–10 pm For her Rhine series, Caroline Bachmann embarked on two journeys along the river – one shorter, one slightly longer. The latter was an eight-day boat trip along the Rhine from Basel to Rotterdam in October 2023. Two months later, she drove by car for almost four hours from her home in Cully on Lake Geneva to Reichenau in the Swiss canton of Graubünden, where the Vorderrhein and …
Art Week Berlin | Opening: Thursday, 12 September, 6–9 pm
Gallery Night: Friday, 13 September, 6–10 pm
For her Rhine series, Caroline Bachmann embarked on two journeys along the river – one shorter, one slightly longer. The latter was an eight-day boat trip along the Rhine from Basel to Rotterdam in October 2023. Two months later, she drove by car for almost four hours from her home in Cully on Lake Geneva to Reichenau in the Swiss canton of Graubünden, where the Vorderrhein and Hinterrhein rivers meet, to see the birthplace of the Alpine Rhine. If visitors begin their tour of the exhibition on the first floor of Meyer Riegger and then go down to the ground floor, they can also follow the course of the river from Reichenau to Rotterdam.
As if looking through the porthole of a ship, a telescope or a keyhole, Bachmann presents her depictions of the Rhine in round frames. One of the most famous round paintings is Michelangelo Buonarroti’s Tondo Doni (1505/1506), a portrait of the Holy Family on display in the Uffizi Gallery in Florence. Like Michelangelo, Bachmann paints on wood. However, the diameter of her work is exactly half that of the Italian Renaissance painting – sixty centimetres. While there is only a hint of the landscape in the background of Michelangelo’s work, Bachmann’s paintings are entirely landscape. Although that in itself is nothing new, the decision to start painting landscapes in the 2000s, as Bachmann did, certainly required courage. Still, the question remains as to whether it is possible to add anything new to this art historical genre.
Twenty-four views of the Rhine are not that many at all when you compare this figure with the number of pictures of Lake Geneva that Bachmann has painted to date. The artist first began painting the lake at dawn twelve years ago. Although the landscape is the same every time – the mountains, the surface of the water, the sky – each work is unique. In fact, the repetition of this motif leads to a kind of paradox for Bachmann: the more often she paints the same motif, the less familiar the place feels, and the more interesting it seems to explore.
While Bachmann always draws the sketches for her paintings of Lake Geneva from the same position in Cully, the Rhine series portrays the course of the river from different perspectives. Sometimes the Rhine looks more like a rivulet, sometimes it meanders its way between rocks, sometimes it rushes – but mostly it flows calmly and meditatively along.
The artist’s method of working always remains the same: she begins by drawing quick pencil sketches outdoors and noting down the different colours and elements. During her trips along the Rhine, Bachmann produced around one hundred of these sketches; she then selected twenty-four and transformed them into paintings in her studio in Cully. While landscape painters such as Ferdinand Hodler and Giovanni Segantini always painted en plein air, namely in the open air, Bachmann prefers to retreat to her ‘cave’, as she refers to her studio. This separation from the original experience of nature – working in artificial light without a direct view of the landscape – is essential for Bachmann’s painting process, which is very slow.
This way of working means that her paintings are characterised by different experiences of time: the swiftness of sketching gives way to the more laborious painting phase, during which the artist slowly resurrects the spontaneous encounter with nature that she experienced while sketching. This approach, which focuses on the superimposition of different temporal levels, proves that Bachmann does indeed have something to add to the history of landscape painting:
The artist always creates her paintings cyclically in groups, painting up to ten pictures simultaneously over periods lasting several months. While one layer is drying, she turns to another work. She applies the paint in extremely thin coats and uses very fine brushes that barely leave a trace. Bachmann compares the short sketching phase that precedes the longer painting process to fishing. She waits, and then as soon as she sees something interesting, everything happens very quickly. Because Bachmann establishes a connection while painting to the sensations she felt while sketching, her images represent not so much a naturalistic reality as the (re-)experience of her own individual perception. Bachmann describes the process of painting, drying and waiting to add a new layer as a form of sedimentation: “When I paint, things mix together and then it’s as if they’re sinking to the bottom.”
Bachmann’s paintings thus enable us viewers to experience time differently, too. Contrary to its usual linear course, the twenty-four-hour cycle of a day, Bachmann creates temporal connections in her works that are not chronological. She explains: “When it works, it’s as if the painting were suddenly dilating space and time and inviting us, as we stand face to face with it, to be part of all those times at the same time.”
Her pictures preserve a feeling. And perhaps they – along with the time she devotes to them – also reflect her respect for the landscape. A respect that most people lost a long time ago: the Rhine, for example, was straightened at the beginning of the nineteenth century. Its meanders were regulated and the entire river was confined to a narrower bed. Of course, this was not carried out because it was beneficial to nature. The aim was to create clear boundaries, make the river navigable for ships, avoid flooding and to utilise the flow of water as a resource.
Instead of utilising the energy of the Rhine, Bachmann conserves it. The bright orange colour at the edge of the image flickers so forcefully that it looks as if it is about to burst. The frame – which is not round, but also appears in rectangular form in her paintings of Lake Geneva – “stops the energy from overflowing, it contains it and allows it to circulate between the painting and me. The time that goes into it is what makes the painting.” If we take some time to look – the average time spent in front of a painting in a museum is just fifteen seconds – then perhaps we can fully understand the intensity of this experience of nature.
Eröffnung: Donnerstag, 12. September, 18–21 Uhr Gallery Night: Freitag, 13. September, 18–22 Uhr Für ihre Rhein-Serie unternahm Caroline Bachmann zwei Reisen entlang des Flusses. Eine kurze und eine etwas längere. Letztere führte sie mit dem Schiff in acht Tagen im Oktober 2023 über den Rhein von Basel nach Rotterdam. Zwei Monate darauf fuhr sie mit dem Auto knapp vier Stunden von ihrem Wohnort Cully am Genfer See, nach Reichenau im Schweizer Kanton Graubünden, wo Vorder- und Hinterrhein …
Eröffnung: Donnerstag, 12. September, 18–21 Uhr
Gallery Night: Freitag, 13. September, 18–22 Uhr
Für ihre Rhein-Serie unternahm Caroline Bachmann zwei Reisen entlang des Flusses. Eine kurze und eine etwas längere. Letztere führte sie mit dem Schiff in acht Tagen im Oktober 2023 über den Rhein von Basel nach Rotterdam. Zwei Monate darauf fuhr sie mit dem Auto knapp vier Stunden von ihrem Wohnort Cully am Genfer See, nach Reichenau im Schweizer Kanton Graubünden, wo Vorder- und Hinterrhein zusammenfließen, um den Geburtsort des Alpenrheins zu besichtigen. Beginnt man den Ausstellungsrundgang im ersten Stock der Galerie Meyer Riegger und geht dann hinunter ins Erdgeschoss, folgt man dem Flusslauf von Reichenau bis nach Rotterdam.
Als ob man durch das Bullauge eines Schiffs, durch ein Teleskop oder ein Schlüsselloch schauen würde, fasst Bachmann ihre Darstellungen des Rheins in runde Rahmen. Eines der berühmtesten Rundbilder ist Michelangelo Buonarrotis Tondo Doni (1505/1506). Das Porträt der heiligen Familie in den Florentiner Uffizien. Wie Michelangelo malt Bachmann auf Holz. Der Durchmesser ihrer Arbeiten beträgt genau die Hälfte des Gemäldes aus der italienischen Renaissance – 60 Zentimeter. Während sich die Landschaft bei Michelangelo im Hintergrund nur erahnen lässt, bestehen Bachmanns Bildern nur noch aus Landschaft. Das an sich ist nichts Neues. Und die Entscheidung, in den 2000ern mit der Landschaftsmalerei zu beginnen, so wie Bachmann sie damals fällte, erforderte sicherlich Mut. Stellt sich doch die Frage, was sich dieser kunsthistorischen Gattung überhaupt noch hinzufügen lassen könnte.
24 Ansichten des Rheins sind gar nicht viel, vergleicht man diese Zahl mit der Menge der Bilder des Genfer Sees, die Bachmann bis heute gemalt hat. Vor zwölf Jahren begann die Künstlerin den See in der Morgendämmerung zu porträtieren. Obwohl es sich jedes Mal um dieselbe Landschaft handelt – die Berge, die Wasseroberfläche, der Himmel – ist jedes Bild einzigartig. Tatsächlich führt die Wiederholung des Motivs für Bachmann zu einem Paradox: Je öfter sie dasselbe Motiv malt, desto weniger hat sie den Eindruck, den Ort zu kennen, und umso interessanter scheint es ihr, ihn zu entdecken.
Während Bachmann die Skizzen für ihre Gemälde des Genfer Sees stets vom selben Standpunkt aus in Cully anfertigt, zeigt die Rhein-Serie den Flusslauf aus unterschiedlichen Perspektiven. Mal wirkt der Rhein wie ein Rinnsal, mal schlängelt er sich seinen Weg zwischen Felsen hindurch, mal tost er, meist aber fließt er ruhig und meditativ vor sich hin.
Bachmanns Arbeitsweise bleibt trotzdem stets dieselbe: Zunächst fertigt sie in der Natur schnelle Skizzen mit dem Bleistift an, und notiert sich die Farben und Elemente. Während ihrer Rheinfahrten entstanden so um die 100 Skizzen, aus denen sie 24 auswählte und im Studio in Cully in Malereien umsetzte. Während Landschaftsmaler wie Ferdinand Hodler oder Giovanni Segantini stets pleinair, also unter freiem Himmel malten, begibt sich Bachmann lieber in ihre „Höhle“, wie sie ihr Atelier nennt. Diese Trennung von der originären Naturerfahrung – das Arbeiten im artifiziellen Licht ohne direkte Sicht auf die Landschaft – ist essenziell für Bachmanns Malprozess, der ein sehr langsamer ist.
Diese Arbeitsweise führt dazu, dass ihre Bilder sich aus unterschiedlichen Erfahrungen von Zeit speisen: Die Schnelligkeit der Skizze wird abgelöst durch den langwierigen Prozess des Malens, während dem die Künstlerin die spontane Naturerfahrung, die sie während des Skizzierens hatte, langsam wieder auferstehen lässt. Mit dieser Arbeitsweise, die den Fokus auf die Überlagerung unterschiedlicher Zeitebenen legt, hat Bachmann der Geschichte der Landschaftsmalerei schließlich doch noch etwas hinzuzufügen:
Bachmanns Bilder entstehen stets zyklisch in Gruppen. Über Zeiträume von mehreren Monaten malt sie an bis zu zehn Bildern gleichzeitig. Während eine Schicht trocknet, wendet sie sich einem anderen Bild zu. Ihr Farbauftrag ist extrem dünn. Sie benutzt sehr feine Pinsel, deren Spuren auf den Bildern kaum noch zu sehen sind. Die kurze Phase des Skizzierens, die dem langen Malprozess vorangeht, vergleicht Bachmann mit dem Fischen. Sie wartet ab, und sobald sie etwas Interessantes sieht, geht es ganz schnell. Dadurch, dass Bachmann während des Malprozesses eine Verbindung mit den Empfindungen herstellt, die sie zum Zeitpunkt des Skizzierens verspürt hat, zeigen ihre Bilder weniger eine naturalistische Realität, als das (Wieder-)erleben ihrer individuellen Wahrnehmung. Bachmann beschreibt den Prozess des Malens, des Trocknens und des Abwartens, bis sie eine neue Schicht hinzufügt, als eine Art Sedimentation: „Wenn ich male, vermischen sich die Dinge, und dann ist es, wie wenn sie sich absetzen würden.”
Mit ihren Bildern ermöglicht Bachmann somit auch uns Betrachtenden eine andere Erfahrung von Zeit. Entgegen ihres linearen Laufs, der Abfolge der 24 Stunden eines Tages, schafft Bachmann mit ihren Gemälden Verbindungen in der Zeit, die nicht chronologisch sind. Sie sagt: „Wenn der Vorgang gelingt, ist es, als würde die Malerei den Raum und die Zeit auflösen und uns, die wir ihr gegenüberstehen, dazu einladen, allen diesen Zeiten anzugehören, und zwar gleichzeitig.”
Bachmanns Bilder bewahren eine Empfindung. Und vielleicht äußert sich in ihren Bildern und der Zeit, die sie ihnen widmet, auch ihr Respekt vor der Landschaft. Ein Respekt, den Menschen schon lange verloren haben: Der Rhein beispielsweise wurde bereits Anfang des 19. Jahrhunderts begradigt. Seine mäandernden Läufe wurden reguliert, und insgesamt zwängte man den Fluss in ein engeres Bett. Und das natürlich nicht, weil es von Vorteil für die Natur wäre. Man wollte klare Grenzen, den Fluss schiffbar machen, Überschwemmungen vermeiden, und den Strom des Wassers als Ressource nutzen.
Statt sie nutzbar zu machen, konserviert Bachmann diese Energie des Rheins. Das leuchtende Orange am Bildrand flackert so kraftvoll, als wäre es kurz davor zu bersten. Der Rahmen – der zwar nicht rund, aber in rechteckiger Form auch auf ihren Bildern des Genfer Sees auftaucht – „verhindert, dass die Energie überläuft, er hält sie fest und lässt sie zwischen dem Bild und mir zirkulieren. Die Zeit, die darin steckt, macht das Bild aus.“ Nehmen wir uns für die Betrachtung Zeit – im Museum verbringt man durchschnittlich nur 15 Sekunden vor einem Bild – dann können wir vielleicht die Intensität dieser Naturerfahrung nachempfinden.
