Process, Time Katinka Bock Björn Braun Henrik Håkansson John Miller Helen Mirra Jonathan Monk
11.11.11 – 17.12.11 Group Exhibition Meyer Riegger, Berlin
We are pleased to simultaneously present two group exhibitions “Time, Process” and “Process, Time” in our galleries in Karlsruhe and Berlin. Both exhibitions connect art works where time – taken as a moment in time – as well as its processuality play a vital role in the design of the particular works. In Berlin we present under the heading “Process, Time” works from Katinka Bock, Björn Braun, Henrik Hakansson, John Miller, Helen Mirra and Jonathan Monk. Mirra becomes the connection to our …
We are pleased to simultaneously present two group exhibitions “Time, Process” and “Process, Time” in our galleries in Karlsruhe and Berlin. Both exhibitions connect art works where time – taken as a moment in time – as well as its processuality play a vital role in the design of the particular works. In Berlin we present under the heading “Process, Time” works from Katinka Bock, Björn Braun, Henrik Hakansson, John Miller, Helen Mirra and Jonathan Monk. Mirra becomes the connection to our gallery in Karlsruhe: in the exhibition titled “Time, Process” not only Mirra’s works can be seen, but also those by Peter Dreher and Gabriel Vormstein. The media used by the artists such as painting, sculpture, installation, film and photography are building a framework for the process they are describing. The trace to mark the process of time, becomes equally effective for the content as well as for the materiality of the artistic description. When considered closely time and process seem like an antagonistic and a mutually induced couple likewise: Time and Process are conditions – but, however, they are conditions that elapse and in the course of their process negate and acknowledge each other. Time becomes productive, when thought of as a process and vice versa.
Henrik Hakansson refers to (natural) cycles with works, in which he equally adopts and effectively embeds those cycles. It is often fragments of nature that the artist transfers into a cultural context. Thereby he is creating almost surreal spatial structures. In the course of this Hakanssons moments of irritation seem like a subtle dialogue between man, nature and space. Plants, living creatures or their light and temperature induced changeability become the formative as well as the conceptual subject of his work. In our gallery space in Berlin the artist shows the work „Snail Drawing“: on seven sheets of paper we can see the paths of snails, that have been dipped into food coulouring before crossing the respective paper. Their trails become visible and remain as organic patterns on the paper. Each of the drawings is dated, whereby the distance covered by a snail marks the time from beginning to completion of the individual work.
Katinka Bocks sculptures and installations describe space by defining it as part of their materiality: her works formed out of stone, clay, sand, metal or fabrics allow for a narration that originates from the individual object as well as from the reference between the works and the so described structure of space. Along with including all elements the artist uses for the realization of her works fundamental characteristics like attraction, repulsion, expansion and contraction of mass. Bock intends the creation of connections, whereas the collaboration and the changing abilities of the sculpture and the space involve a determination of form that is characterized by reaction. Her works arise from encounters with concrete and on-going situations, which Katinka Bock translates into specifically materialistic and spatial proportions. In our Berlin gallery we present the installation “Kleine Kreise”. A seesaw-like construction consisting of a steel tube, a ceramic rod and a granite panel is held by an partially amorphously deformed ceramic tube. Blue bike tire tracks are crossing the tube and simultaneously encircles the sculpture which circulates between balance and disbalance.
Björn Brauns work results from a transformation process: in a synthesis of adding and removing the artist generates images, collages, objects and spatial complexes which circulate between a natural formation and an artistic creation. For Braun paper, wood, fibres and feathers become fundamentals that he puts into correspondence with literature, artificially produced textile fabrics or objects found in nature and that are put into a pictorial dialogue. By breaking-up or shifting the accustomed point of view Braun opposes his conceptual-minimalistic use of forms with an anarchistic gesture that transfers the figurative of his works towards abstraction. In the context of our exhibition in the gallery space in Berlin we present a wooden ladder of which Braun has removed footsteps and in a process lasting several days dissolved the woodfibres in water and finally made them into paper. In the exhibition the ladder corresponds with the picture that hangs on the opposite wall and enters a dialogue with the ladder as its medial conversion.
In his objects, paintings and texts the artist and author John Miller highlights different social desires and criticizes them metaphorically. In our space in Berlin we show an excerpt from his photographic project “Middle of the Day”, which John Miller has been pursuing continuously since 1994. The artist takes photographs in the afternoons between 12pm and 2pm at various places of different urban locations. The scenes – mostly people on their way through the city – are similar in their composition. However, all of the meanwhile 1600 pictures depicts one particular timeframe (the lunch break), that connects the free time with the working hours, which defines a time of the day that opens up for freedom but nevertheless heralds an evanescence with the restriction of this freedom. The passage-like excerpts show movement, distraction and stagnation alike, people in their consumerist behaviour and also urban landscapes exempted from their actors.
Jonathan Monks objects and installations iridescent between reminiscence, imagination and a specific condition. The artist attributes to the individual work a special temporality, which he questions at the same time – often in a humorous way. By comprising, well almost nostalgically archiving a (current) object of daily use, the artist undermines its function and usability. This can be seen in “The Odd Couple”, which we show in our Berlin gallery: two grandfather clocks facing each other whose time display is not readable due to the positioning of the clocks – ultimately their own impermanence becomes evident. In the course of the exhibition Jonathan Monk will realize an additional work: “Greta-Garbo-Straße 10”. The artist will have a wall piece built that is a reconstruction of the wall tiles of house number 10 of the Greta-Garbo-Straße in Berlin. The tiles will be put up on one of our gallery walls during the opening exhibition.
Helen Mirras works relate to a specific location with found – natural, cultural – products whose meaning she reformulates by adopting them and putting them into a narrative context. Photography, film, sound, language and textile fabrics stand in a conceptual dialogue with classic genres like sculpture, painting and drawing. By intertwining and dissolving materialities and categories the artist generates a minimalistic orientated picture and object language that is mostly accompanied by an abstract link between time and space: Mirra creates references to a reality that lies beyond her works and that comprises – her own – movement in space and time and conveys them as a snapshot into the exhibition setting. The works presented in our galleries in Berlin and Karlsruhe tie on Mirras exhibition “beforsten” in 2000 in our gallery in Karlsruhe, as well as her group of works “Field Recordings” (currently in the Bonner Kunstverein). Both group of works are preceeded by walks during which the artist choses objects like branches or stones found in the natural surroundings and ceates an on site China ink or oil print of those on canvas.They not only show abstract landscape contours in their imagery, but they are also a document of Mirras transition, that is divided into sequences, and her documentation of nature.
Christina Irrgang
Translation: Teresa Schwarz
Wir freuen uns, mit „Time, Process“ und „Process, Time“ zwei Gruppenausstellungen zu präsentieren, die parallel in unseren Karlsruher und Berliner Galerieräumen zu sehen sind. Beide Ausstellungen führen solche künstlerischen Arbeiten zusammen, bei denen Zeit – als Augenblick gefasst – sowie der prozessuale Verlauf von Zeit wesentlich in der Formgebung der jeweiligen Werke ist. Unter der Überschrift „Process, Time“ zeigen wir in Berlin Arbeiten der Künstler Katinka Bock, Björn Braun, Henrik …
Wir freuen uns, mit „Time, Process“ und „Process, Time“ zwei Gruppenausstellungen zu präsentieren, die parallel in unseren Karlsruher und Berliner Galerieräumen zu sehen sind. Beide Ausstellungen führen solche künstlerischen Arbeiten zusammen, bei denen Zeit – als Augenblick gefasst – sowie der prozessuale Verlauf von Zeit wesentlich in der Formgebung der jeweiligen Werke ist. Unter der Überschrift „Process, Time“ zeigen wir in Berlin Arbeiten der Künstler Katinka Bock, Björn Braun, Henrik Hakansson, John Miller, Helen Mirra und Jonathan Monk. Mirra bildet eine Schnittstelle zu unserer Karlsruher Galerie: unter dem Titel „Time, Process“ sind hier neben ihren Arbeiten auch solche von Peter Dreher und Gabriel Vormstein zu sehen. Die von den Künstlern verwendeten Medien Malerei, Skulptur, Installation, Film und Fotografie bilden einen Rahmen für den Vorgang, den sie beschreiben. Die Spur, als Kennzeichnung eines Verlaufs von Zeit, wird dabei ebenso inhaltlich, wie auch in ihrer Materialität als künstlerische Beschreibung wirksam. Zeit und Prozess erscheinen in ihrer Betrachtung zugleich als antagonistisches und einander bedingendes Paar: Zeit und Prozess sind Zustände – aber solche, die vergehen und sich in ihrem Voranschreiten gegenseitig negieren und bestätigen. Zeit wird produktiv, wenn sie als Prozess gedacht wird, und umgekehrt. Henrik Hakansson bezieht sich in seinen Arbeiten auf (Natur-)Kreisläufe, die er in seinem Werk gleichsam aufgreift und konkret einbettet. Oft sind es Fragmente des Natürlichen, die der Künstler in einen kulturellen Kontext überführt und so nahezu surreale Raumgefüge erzeugt. Hakanssons Momente der Irritation wirken dabei wie ein subtiler Dialog zwischen Mensch, Natur und Raum. Pflanzen, Lebewesen oder ihre durch Licht und Temperatur herbeigeführte Veränderbarkeit werden ebenso zum formgebenden, wie auch zum konzeptuellen Gegenstand seiner Arbeit. In unseren Berliner Galerieräumen zeigt der Künstler die Arbeiten aus der Serie ‚Snail Drawing’: auf sieben Blättern sind hier die Pfade von Schnecken zu sehen, die der Künstler vor ihrer Überquerung des jeweiligen Blattes in Lebensmittelfarme getaucht hat. Sichtbar werden ihre Spuren, die auf dem Papier als organisches Muster verbleiben. Jede der sieben Zeichnungen ist mit einem Datum versehen, wobei die Länge der zurückgelegten Wegstrecke der Schnecke die Zeitspanne des Beginns und der Fertigstellung der einzelnen Arbeit markiert Die Skulpturen und Installationen von Katinka Bock beschreiben Raum, indem sie ihn als Teil ihrer Materialität definieren: Ihre aus Stein, Ton, Sand, Metall oder Textilien herausgebildeten Arbeiten erlauben eine Narration, die vom einzelnen Objekt, aber auch aus der Bezugnahme zwischen den Arbeiten und der damit beschriebenen Raumstruktur hervor geht. Neben dem Einbezug der Elemente nutzt die Künstlerin bei der Umsetzung ihrer Arbeiten auch elementare Eigenschaften wie Anziehung, Abstoßung, das Ausdehnen oder Zusammenziehen von Masse. Bock intendiert das Eingehen von Verbindungen, wobei das Zusammenwirken und die Veränderbarkeit von Skulptur und Raumgefüge oft eine von Reaktion geprägte Formfindung mit sich bringt. Ihre Arbeiten entstehen dabei aus Begegnungen von konkreten und sich im Verlauf befindenden Situationen, die Katinka Bock in spezifische materiale und räumliche Verhältnisse übersetzt. In unseren Berliner Galerieräumen präsentieren wir die Installation „Kleine Kreise“: Eine wippenartige Konstruktion aus Stahlrohr, Keramikstab und Granitplatte wird durch ein zum Teil amorph verformtes Keramikrohr gehalten. Eine blaue Fahrradreifenspur durchkreuzt das Rohr und kreist zugleich die Skulptur ein, die zwischen Balance und Ungleichgewicht zirkuliert. Björn Brauns künstlerische Arbeit entsteht aus einem Prozess der Umformung: In einer Synthese aus Hinzufügen und Wegnehmen generiert der Künstler Bilder, Collagen, Objekte und Raumgefüge, die zwischen natürlicher Genese und künstlicher Formgebung zirkulieren. Papier, Holz, Fasern und Federn bilden für Braun Substanzen, die er in Korrespondenz mit Literatur, industriell erzeugten Textilien oder in der Natur gefundenen Gegenständen bringt und in dieser Gegenüberstellung einem bildhaften Diskurs unterzieht. Im Aufbruch und Verstellen eines gewohnten Blicks setzt Braun seiner konzeptuell-minimalistischen Formensprache einen anarchistischen Gestus entgegen, der das Gegenständliche seiner Arbeiten hin zur Abstraktion überführt. Im Kontext unserer Ausstellung in den Berliner Galerieräumen zeigen wir eine Holzleiter, deren Trittbrett von Braun entfernt wurde und in Folge dessen – in einem mehrtägigen Prozess des Zersetzens der Holzfasern in Wasser – vom Künstler zu Papier geschöpft wurde. In der Ausstellungssituation korrespondiert die Leiter mit dem Bild, das ihr gegenüber an der Wand hängt und als mediale Umformung in einen Dialog mit ihr tritt. Der Künstler und Autor John Miller beleuchtet in seinen Objekten, Bildern und Texten unterschiedliche gesellschaftliche Begehrlichkeiten, die er einer metaphorischen Kritik unterzieht. In unseren Berliner Galerieräumen zeigen wir einen Auszug aus seinem fotografischen Projekt „Middel of the Day“, das John Miller seit 1994 kontinuierlich verfolgt. Es sind Fotografien, die der Künstler mittags zwischen zwölf und zwei Uhr an unterschiedlichen Orten verschiedener Stadtraumlandschaften aufgenommen hat. Die Szenen – zumeist Menschen auf ihren Wegen durch die Stadt – sind sich in ihrer Komposition ähnlich. Aber doch zeigt jedes der mittlerweile über 1600 Bilder eine Zeitspanne (die Mittagspause), die Freizeit und Berufszeit miteinander verbindet, ja die einen Moment des Tages definiert, der einen Freiraum öffnet, aber dennoch in der Bemessenheit dieser Freiheit von Vergänglichkeit kündet. Die passagenhaften Ausschnitte zeigen gleichsam Bewegung, Zerstreuung und Stillstand, Menschen in ihrem Konsumverhalten, aber auch von Akteuren freigestellte städtische Landschaften. Die Objekte und Installationen von Jonathan Monk changieren zwischen Erinnerung, Vorstellung und konkretem Zustand. Der Künstler schreibt der einzelnen Arbeit eine eigene Zeitlichkeit zu, deren Gültigkeit er zugleich – oftmals auf humorvolle Weise – in Frage stellt. Im Einschließen, ja nahezu nostalgischen Archivieren eines (aktuellen) Gebrauchsgegenstandes, unterminiert der Künstler dessen Funktion und Nutzbarkeit. Dies zeigt sich in der Arbeit „The Odd Couple“, die wir in unseren Berliner Galerieräumen zeigen: Es sind zwei zueinander gewandte Standuhren, deren Zeitanzeige durch die Positionierung der Uhren nicht mehr ablesbar ist – sie machen letztlich ihre eigene Vergänglichkeit evident. Im Verlauf der Ausstellung wir Jonathan Monk eine weitere Arbeit realisieren: „Greta-Garbo-Straße 10“. Der Künstler lässt während der Dauer der Schau eine Wandarbeit in der Galerie errichten, welche das Fliesenmuster des Hauses Nummer zehn der Berliner Greta-Garbo-Straße rekonstruiert. Die Fliesen werden während der Ausstellungseröffnung an einer unserer Galeriewände angebracht. Helen Mirra arbeitet ortsspezifisch mit vorgefundenen – natürlichen, kulturellen – Erzeugnissen, deren Bedeutung sie durch Aneignung reformuliert und in einen narrativen Kontext einbettet. Fotografie, Film, Sound, Sprache und Textilien stehen in einem konzeptuellen Dialog zu klassischen Gattungen wie Skulptur, Malerei und Zeichnung. Im Verweben und Auflösen von Materialitäten und Kategorien generiert die Künstlerin eine minimalistisch geprägte Bild- und Objektsprache, die oft mit einer abstrakten Verknüpfung von Raum und Zeit einhergeht: Mirra erstellt dabei Referenzen auf eine außerhalb der Arbeit liegende Wirklichkeit, die – ihre eigene – Bewegung in Zeit und Raum einschließt und als Momentaufnahme in die Ausstellungssituation überträgt. Die von uns in Berlin und Karlsruhe präsentierten Arbeiten knüpfen an Helen Mirras im Jahr 2000 in unserer Karlsruher Galerie gezeigten Ausstellung „beforsten“, sowie an ihre neue Werkgruppe „Field Recordings“ (aktuell im Bonner Kunstverein) an. Beiden Gruppen gehen Wanderungen voran, bei denen die Künstlerin im Naturraum gefundene Objekte wie Äste oder Steine auswählt, und noch vor Ort einen Tusche- oder Öl-Abdruck von diesen auf Leinen anfertigt. Sie zeichnen nicht nur in ihrer Bildhaftigkeit einen abstrahierten Landschaftsverlauf nach, sondern sind selbst Dokument von Mirras in Sequenzen unterteilte Durchquerung und Aufzeichnung des Naturraums.
Christina Irrgang
